2nde: Préparation à Little Nemo que nous allons voir le jeudi 27 janvier

 Bande annonce

Sur le site de la comédie de Colmar 

Little Nemo
ou la vocation de l’aube

inspiré de la bande dessinée de Winsor McCay

mise en scène Émilie Capliez

écriture, collaboration artistique Tünde Deak – assistant à la mise en scène Jean Massé – musique Françoiz Breut et Stéphane Daubersy – scénographie Marc Lainé et Stephan Zimmerli – lumière Bruno Marsol – costumes Marjolaine Mansot

avec Françoiz Breut, Stéphane Daubersy, Joana Nicioli, Paul Schirck

Rêves
Chaque nuit, Little Nemo tente de parvenir à Slumberland (le pays du sommeil). Le roi Morphée, souverain de ce royaume, souhaite un camarade de jeu pour sa fille. Il a jeté son dévolu sur Nemo et lui envoie des messagers pour l’attirer. Mais ce parcours est parsemé de mésaventures qui tirent toujours trop tôt le petit Nemo du sommeil, jusqu’à ce jour où… Et le rêve n’a ici plus de limites !
 
« Lorsque j’ai découvert les planches de McCay, raconte Émilie Capliez, j’ai immédiatement été fascinée par la puissance de son imaginaire, la pureté de ses dessins. Nemo se retrouve embarqué dans un extraordinaire voyage peuplé de personnages loufoques et mystérieux. L’œuvre s’adresse aussi bien aux enfants qu’aux adultes : sous son apparence colorée, elle parle du rapport de l’artiste au temps, de ses questionnements sur le monde moderne et de la place que nous accordons au rêve aujourd’hui. » Pour ajouter à l’enchantement, la metteuse en scène a convié la musique et le cirque. Avec Françoiz Breut et Stéphane Daubersy, c’est toute une palette sonore qui raconte les pages de la BD. Les timbres pluriels et charmeurs de la chanteuse inventent un conte musical aux couleurs irisées qui porte la circassienne en apesanteur sur son mât chinois. La scénographie, signée Marc Lainé et Stephan Zimmerli, se joue des métamorphoses, imposant son propre rythme à la fable. Spectacle multiple, où chaque sens est à l’affût, Little Nemo s’impose comme un incontournable voyage.

Cette création qui devait voir le jour en octobre dernier partira donc enfin sur les routes cette saison et sera présentée pour la première fois à Colmar en janvier 2022.

représentation du 27.01. à 19H adaptée en langues des signe

Dossier artistique 

 

2ème partie du sujet de Bac: Les acteurs qui transportent l'espace avec eux ( scénographie) Proposition de Basile

 

En rédigeant le Soulier de satin, Paul Claudel donne naissance à une oeuvre monde, peut-être héritée de Shakespeare bien qu’il substitué aux velléités belliqueuses des guerriers anglais les considérations divines des catholiques espagnols. Uniquement dans les deux premières journées, l’action se déplace entre le beau milieu de l’océan atlantique, des maisons rues et jardins espagnols, palis royaux, château catalan, une auberge, le large du Maroc et la forteresse de Mogador, Cadix, la campagne sicilienne, une forêt vierge en Amériques et même le plateau de théâtre lorsque l’Irrépressible rompt l’illusion théâtrale. Cette multiplicité de lieux, Yanis Kokkos le dit lui-même en tant que scénographe pour la mise en scène de Vitez représente un défi majeur dans le passage de l’œuvre de Claudel au plateau. Il est impossible de concevoir un décor complet pour chaque lieu mentionné par Claudel dans les didascalies, le défi de la scénographie du Soulier est donc la création d’un espace suffisamment polymorphe pour que par l’abstraction, l’imagination et le jeu des acteurs viennent animer cet espace, le public puisse y voir quatre continents et vingt années par la même occasion. Par « abstraction » et « imagination », j’entends des procédés qui sont tout à fait instinctifs aux spectateurs et fondamentaux dans les conventions théâtrales. Lorsque Vitez choisit un plateau bleu figurant la mer, très importante chez Claudel, le spectateur sait faire abstraction quand il faut ne pas considérer que l’ensemble de l’action est maritime, mais il sait aussi quand elle l’est comprendre que le bois au sol est un navire et le bleu plat et inerte une eau parfois mouvante ; l’imagination fait le travail. Le seul problème subsistant est celui alors du décor amené par le jeu : ce que Vitez entend lorsqu’il parle des « acteurs qui transportent l’espace avec eux ». C’est peut-être en raison de cette tâche que Robin Renucci incarnant Camille qualifie le travail su Soulier d’ »athlétique » : les acteurs en se mouvant ont aussi à tirer avec eux le décor imaginaire et à y emmener le public. Lorsque Claudel voit Prouhèze « qui se démène au milieu des épines et des lianes entre mêlées », nul besoin pour Yannis Kokkos de figurer un dangereux ravin le jeu physique de Ludmila Mikael, rampante, éreintée, suffit à donner à voir au spectateur l’effort et la douleur. De la même façon, la scène première ne nécessite pas qu’on amène une épave au plateau, si l’annoncier sait mettre assez de poids dans ses mots pour que l’ekphrasis du dit « navire démâte » apparaisse aux yeux du public. De cette façon, il s’agit de doser entre une foi en les mots de Claudel qui peuvent beaucoup quand on les écoute et une capacité à ne pas s’y enfermer, ne pas tomber dans le jeu verbeux et porter le Soulier dans un exercice corporel « athlétique » pour être à la fois le personnage et l’espace dans lequel il évolue. A cette tâche-là, la nudité du plateau née de la collaboration Vitez-Kokkos correspond tout à fait. Sous un prétendu vide initial se cache en réalité une polymorphie d’espaces fascinante où quelques bateaux au sol sont une flotte gigantesque, un serviteur chinois et un peintre japonais amènent un bout d’Asie et où un presque maure et une servante noire sont tout un continent.

Si j’étais responsable d’une scénographie du Soulier de satin, je commencerai par me fier à la vision d’Olivier Py qui, en mettant en scène la pièce, y a vu une prémonition de la part de Claudel diplomate et voyageur d. Ce dernier entre La Chine, le Brésil et le Japon aurai pressenti la mondialisation qui fait aujourd’hui la norme. Ce constat devrait d’abord transparaître dans le choix du dispositif, le frontal et le bi-frontal laissent voir une frontière entre public et scène alors que selon les mots de Claudel ouvrant la première journée : « la scène de ce drame est le monde. » Pour traduire cette idée, je pense qu’un encerclement est possible : le quadri frontal fait comprendre que rien n’existe autour de la scène, qu’elle est le monde entier ; à l’inverse un dispositif comme celui que nous avons adopté lors de notre présentation de travaux correspond aussi avec le public au centre, regardant dans toutes les directions qui verra que tout existe autour, qu’il y a le monde représenté.

Une troisième idée serait de monter le projet en déambulatoire à l’air libre afin de faire parcourir furtivement aux spectateurs les kilomètres qui séparent les différents lieux de l’action, de plus, il est beau de jouer l’amour cosmique de ceux qui se rejoindront en étoiles sous le ciel directement. Peu importe le dispositif choisi, je pense qu’un certain dénuement doit rester de rigueur au plateau, comme dit plus haut à propos de la mise en scène de Vitez, cela laissera toute la place nécessaire aux acteurs qui amèneront l’espace avec eux. Pour se soumettre à l’esthétique du « provisoire en marche, bâclé » je pense que la totalité des costumes et accessoires devrait être de récupération, d’objets pré existants et peut être même uniquement ceux présents dans des lieux de répétition et de représentation. Les anachronismes nourriront le jeu comique et puisque « l’auteur s’est permis de comprimer les pays et les époques » et que la porosité spatiale a déjà été traduite dans le dispositif, celle temporelle peut  l’être dans les accessoires.

Dans le cas où le dispositif choisi n’est pas le déambulatoire je souhaiterais que l’ensemble des éléments et accessoires amenés par les acteurs restent au plateau tels quels quitte à être renversés ou déplacés dans les scènes suivantes par les acteurs qui en feront abstraction ou bien en profiteront dans leur jeu en improvisant. Ce faisant douze heures durant, la quatrième journée devrait se conclure avec une somme importante de bric à brac qui permettra une image finale puissante de Rodrigue, qui fut magnifique, maintenant posé comme un déchet au milieu d’autres, jeté dans les accessoires laissés là. Cela donnera une résonance toute particulière, je pense, à la réplique finale » délivrance aux âmes captives », jetée depuis cette image de déchéance. De plus la lecture moderne de la pièce reliée au capitalisme mondialisé accentue la conclusion faite au milieu des déchets qui fera écho à la situation écologique actuelle tragique.

Spectacle de danse Salle Europe vendredi 21 et samedi 22 janvier IE(famille)

 IL s'agit d'une co-production salle Europe et Comédie de Colmar. Les billets se prennent à la Comédie de Colmar: sur le site de la Comédie

 conception et chorégraphie Cécile Laloy

salle europe - colmar

VE 21.01.22 à 20H00

SA 22.01.22 à 18H00 

Si vous y aller le samedi, vous pourrez quand même voir la déambulation au musée Unterlinden des élèves du conservatoire le vendredi à 19h ou 20H dans le cadre des Nuits de la lecture.

 

Famille

Au sein d’une famille, des événements incompréhensibles et parfois violents se répètent inlassablement. Mus par des émotions explosives, les corps semblent comme condamnés à extérioriser une souffrance. À l’initiative d’une femme, qui ne s’exprime qu’avec ses mains, les secrets vont se mettre à transpirer. Inspiré de la danse Butoh, du théâtre Nô et du kabuki, IE modèle les émotions de façon viscérale.

 « IE » est un mot japonais désignant littéralement la maison mais, plus généralement, le foyer ou la famille dans sa globalité. Contrairement aux conceptions occidentales, la famille japonaise n’a pas de limite temporelle, englobant les membres actuels mais aussi les membres décédés et même ceux qui ne sont pas encore nés. Pour mener cette enquête passionnante sur l’atavisme générationnel, la chorégraphe Cécile Laloy met en place un détonant tableau familial composé de quatre danseurs (dont un enfant), d’un musicien multi-instrumentiste et d’une comédienne interprète en langue des signes. Tous membres d’une même lignée, ils n’appartiennent pourtant pas à la même génération car, comme dans les fêtes précolombiennes, les vivants côtoient ici les morts. De cette cérémonie initiatique en plusieurs temps qui emprunte à la transe, les corps se libèrent et les ancêtres reprennent vie. Violente et convulsive, la chorégraphie fait rejaillir alors « l’indicible », le « non-dit », ramenant au grand jour le passé enfoui.

Terminales: Projet Molière séance du lundi 17 janvier

 - Préparation rapide à Meeting Point ( Heim)

Retour sur les copies de bac blanc: mauvaises notes liées à du hors sujet donc il faut bien lire les sujets et identifier les attentes du devoir. ( A retravailler pour les véritables examens sur les sujets déjà donnés.

Échauffement à partir de marche neutre. Différentes danses avec musique dans la tête: baroque, folklorique, voguing, classique etc parfois faire entendre la musique.

Déplacement en devenant des personnages de Molière. attention aux différentes servantes: Georgette, Lisette et Dorine n'ont peut être pas le même corps. recherche corporelle pour faire exister un personnage.

Exercices pour se souvenir des fables et pointer les moments marquant: raconter en 5 ou 6 images la fable de l'Amour Médecin puis celle du tartuffe, (reste L'Ecole des femme spour une prochaine séance). possibilité de relire un résumé de la fable. elles sont à connaître à partir de maintenant.

Exercice avec la table: en tournant autour répondre à la sollicitation de l'animateur qui évoque des scènes des pièces de Molière et il faut trouver des postures pour les jouer: Arnolphe faisant lire les maximes à Agnès, tartuffe séduisant Elmire pendant qu'Arnolphe est sous la table, Alain et Georgette mangeant à une table et ne voulant pas aller ouvrir à ARnolphe,  etc ( Chacun évoque la séquence qu'il a tenté d'interpréter.) ( exercice intéressant qui vous a fait sortir d'une approche réaliste et vous a fait jouer plsu grand sans paroles.

Lectures des scènes avec comme mission de pouvoir ensuite en produire une version gestuelle, corporelle sans paroles.

Continuer à apprendre le texte. Ne pas oublier les versions gestuelles que vous avez faites. Expérimentations la fois prochaine de dire les textes dans la même énergie corporelle.

séance très physique avec un bon investissement de votre part.

2nde Théâtre Forum: séance du mercredi19 janvier

 Découverte du blog la voix du plateau à regarder régulièrement.

Préparation au spectacle Little Nemo ( 27 janvier 19 h à la CDC): noter dans vos carnets de bord vos attentes en fonction de ce que je vous ai dit et montré.

Réflexion sur la notion de dossier artistique: contenu, pour qui, pour quoi faire ?

Digression sur le métier de producteur d, chargé de production dans le spectacle vivant.

Echauffement:

marche neutre avec différentes consignes: changements de direction, passage par le sol, vitesse différente de 1 à 5. marche en échangent un regard, marche en tenant le regard de quelqu'un le plus longtemps possible, marche en tenant une bulle qu'il faut protéger, cette bulle grossit, se mélange à d'autres, il faut la tenir à plusieurs puis tout le groupe, elle éclate, chacun repart avec une petite bulle, on la protège, crainte que les autres la prennent, méfiance, hostilité.

Exercice du bonhomme Michelin que l'on gonfle et qui se dégonfle lorsqu'il est au maximum du gonflement.

Exercice de l'éveil dans un monde coloré et inconnu: improvisation guidée par la voix de l'animateur pour faire expérimenter différente sensations: odeurs de cerise, matière liquide qui monte, qui devient collante, eau qui va jusqu'à mi corps, chaleur progressive, disparition de l'eau, sable chaud etc

jeux pour entrer dans l'aisance qu'il faut acquérir en Théâtre forum:

- les mots inventés en trois syllabes et dont la quatrième personne doit donner la définition la plaus pertinente possible face à un public

- défendre sa peau face à un groupe de cannibales qui veut vous manger ( improvisation avec variante: défendre sa peau, montrer que l'on a une autre utilité pour la communauté, défendre les avanatages du cannibalisme devant un groupe d'anthropologues.

-Improvisation par groupe de six: émission de téléréalité qui porte sur l'un des sujets inspirant pour le théâtre forum. proposition: les méfaits de la drogue, la phobie scolaire, le manque de communication au sein de la famille. ( dans le carnet de bord, analyser vos propositions et celles de vos camarades) Objectif : chercher des idées et de la matière pour les saynetes de Théâtre Forum, s'installer dans une durée de jeu sans lâcher son personnage...

conseils généraux pour l'improvisation: 

- changer vos prénoms pour devenir de vrais personnages.

-Penser au dispositif et aux placements dans l'espace le plus efficace pour être bien vus du public.

- Si un objet apparait dans l'improvisation, il ne faut pas l'oublier et le gerer tout au long de l'impro cf micro.

-veiller à ne pas brouiller la trame de l'impro par un refus de jeu. dans cette impro, laisser l'animateur de l'émission conserver la main sur le déroulement et sur le timing de l'émission.

Dernière partie de la séance: écrire rapidement une saynète sur un thème choisi, esquisse vu le temps qui a été consacré, impro sur feuilles.

Ceux et celles qui aiment écrire peuvent écrire des scènes et me les envoyer avant la prochaine séance.

Ne pas oublier la tenue du carnet de bord qui sera examiné dans 15 jours avant les vacances.

Une note sera réservée aussi à votre implication dans le projet: apport de documents, qualité de jeu dans les exercices proposés,  force de proposition.

Très belle séance de mon point de vue avec beaucoup d'investissement et de bonne volonté de la part de tout le monde.

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Analyse de la captation de L'Amour médecin ( à compléteravec vos notes)

 Video qui propose un résumé de la pièce, peut-être utile pour bien la comprendre

L’Amour médecin mise en scène de Jean-Marie Villégier et Jonathan Duverger.

Analyse de la captation

Danse, musique : Musique de Lully jouée par les Arts Florissants de William Christie, orchestre baroque très célèbre. Instruments anciens XVIème siècle et première moitié du XVIIème siècle.

Site : https://www.arts-florissants.org/

Orchestre situé sur une estrade en fond de scène et pas devant le plateau dans la fosse d’orchestre.

Musique dansante, qui évoque immédiatement le siècle de Louis XIV.

Trois chants interprétés par les comédiens qui ne sont pas chanteurs baroques au départ, sortis de leur zone de confort. Performance très réussie pour Léonie Simaga qui joue Lucinde, un peu moins pour l’acteur qui chante la partie du marchand d’orviétan.

Premier chant qui montre que la pièce est dédiée au divertissement du ROI : les trois arts doivent cesser leur querelle pour plaire au Roi.

Le dernier chant célèbre les pouvoirs de guérison des arts et prend une résonnance toute particulière en ces temps de pandémies où nous sommes privés du spectacle vivant. ( Il faut connaître les textes des refrains par cœur ( voir copie distribuée le 7 janvier ou vos textes)

Danseurs : professionnels, sauf dans le premier intermède Comédie, ballet et Musique où se sont les acteurs de la comédie française qui chantent.

Chorégraphes anciens danseurs de l’opéra de paris : Wilfried Piolet. Trois danseurs. Danse baroque, costumes très colorés. Couleurs franches.

Danse des médecins inquiétante : costumes des médecins pas les mêmes que ceux qui jouent : sortes de corbeaux tout en noir, sans visage humain,  qui semblent glisser sur le sol comme s’ils étaient des spectres,danseuse tout en blanc qui danse les souffrances de Lucinde telles que Sganarelles les imagine, ballottée d’un médecin à l’autre et jetée à terre, abandonnée à son sort.

Danse burlesque des personnages qui participaient au tour de magie de la boite découpée : l’un des danseurs fait semblant de mal dansé, effet comique des postures de porters classiques ratés, des désynchronisation. Quelque chose de sérieux ( la danse classique) est moqué et transformé en gag.

Scénographie :

Dispositif général : salle à l’italienne avec public présent en frontal. Espace assez dépouillé au début pour laisser de la place à la danse des trois arts. Musiciens des Arts florissants sur une estrade en fond de scène dans la pénombre mais visible.

Au sol une étoile jaune, un soleil ? – rappel possible de l’origine de la comédie-ballet créée pour le Roi Soleil – peut évoquer aussi l’univers du cirque, donc du pur divertissement à mettre en lien avec le tour de magie qui accompagne le vendeur d’Orviétan et créée un parallèle entre les différents charlatans qui créent l’illusion d’une guérison possible, d’une r »surrection des morts puisque dans le tour de magie on découpe une personne en donnant l’illusion qu’elle demeure vivante même si le tour est ensuite éventé pour montrer que deux personnes étaient cachées dans les boites. Le  théâtre est ainsi à la fois le lieu de l’illusion et celui du dévoilement de la vérité.

Apparition très rapide du village et des maisons qui composent la petite ville où se passe l’histoire grâce à des panneaux de bois découpés enforme de maison qui font penser à des maisons de contes pour enfants ou de dessins animés, rien n’est droit. Chaque panneau est très coloré dans des tons très francs là aussi ( principe du châssis qui coulisse sur des rails et qui se positionne soit au milieu du plateau, soit en découvertes dur les côtés pour cacher les ouvertures latérales. Les maisons sont planes mais parfois trouées de fenêtre derrière lesquels les personnages peuvent apparaître : les voisins lorsque Sganarelle les consulte dans l’acte I, Lisette quand elle est à l’intérieur et prévient Sganarelle que Lucinde est malade, quand Sganarelle et Lisette surveillent Clitandre et Lucinde etc

( c’est par ce biais que le metteur en scène peut ne pas faire de décors qui représente un intérieur. Presque tout se joue dehors ou à la fenêtre .)

Fluidité magique des changements de décor, déplacement glissant à vue des châssis avec effets comiques quand le personnage demeure visible derrière la fenêtre lors du déplacement. Images de scène qui peuvent rappeler les pièces à machine du XVIIème siècle.

Jeu aussi avec les dessous du plateau : système de trappes pour faire apparaître et disparaître un personnage : Sganarelle face au vendeur d’Orviétan paraît se rapetisser en descendant dans les dessous, effet de contre plongée qui agrandit le magicien et le rend puissant.

Sganarelle à la fin disparaît, "le moral au 36 ème dessous" après avoir été berné et entrainé  à sa perte. Moqué aussi par les danseurs qui se le passent comme une balle.

Mobilier et objets scéniques: Noter l'actualisation produite par les accessoires qui appartiennent pour beaucoup au monde contemporain

Tabouret: pour s'assoir par ex Clitandre auprès de Luncinde au 3 ème acte. mais aussi effet comique Sganarelle invite à faire assoir les médecins, elle n'apporte que ce petit tabouret rouge! 

Peluches, doudous que Sganarelle jette par la fenêtre pour montrer qu'il est très fâché contre Lucinde qui ose lui demander de se marier: la jeune fille est infantilisée par ces joujoux, Sganarelle l'a gâtée mais ne supporte pas qu'elle grandisse et s'émancipe. Elle va d'ailleurs les récupérer et s'en caresse; doudous substitut au désir, à l'amour.

Oreiller et tapette pour les aérer: signifient que Lisette est à l'intérieur de la maison, dans une chambre, demande un jeu énergique pour accompagner les paroles, dynamise le dialogue.

vélo: effet de surprise, jeu avec la sonnette qui ponctue les propos de Clitandre. suggère une jeunesse sportive, le désir aussi d s'évader et d'emporter avec lui la belle.

Charette dans laquelle Lucinde est présentée comme malade à Clitandre médecin du coeur. Sra accrochée au vélo: équipage symbolique de l'union, du mariage.

Objets scéniques, mobilier, accessoires notés par Eugénie:

Vase aux mains de sganarelle  (cendres de sa femme)

Peluches, poupées que Sganarelle lance par la fenêtre à sa fille

Lisette tape un coussin avec une « tapette en bois » à la fenêtre de la maison au fond

Sganarelle a un coussin en main

Lisette revient avec un petit tabouret en bois qu’elle pose au milieu et Sganarelle s’y assied

Sganarelle paye les médecins avec des pièces d'or et sort de scène avec le tabouret 

Table de magie (couper des gens) avec un magicien qui danse autour, derrière le marchand lorsqu’il chante

Le marchand d'orviétan a en main des petites fioles en verre, il y a dedans un « trésor », je suppose que c’est le médicament pour la fille de Sganarelle ( le fameux orviétan), et il récupère les deux petites fioles contre une pièce d’or de 30 livres.

fumée qui sort au moment où apparait le dernier médecin qui gronde les autres ( Fillerin), fumée quand il disparaît par la trappe. 

Tabouret avec Lisette assise dessus, Clitandre entre.

Clitandre passe sur scène à vélo (utilise la clochette)

Lisette cherche la fille et celle-ci se trouve dans une sorte de chaise roulante (se qui montre qu’elle est encore malade)

Clitandre jette le tabouret et embrasse la fille

Que chacun m'envoie ses remarques sur les différents personnages comme l'a fait Myriam pour Clitandre:

Clitandre :  ( Acteur: Loïc Corbery)

Il joue au médecin en se pavanant avant de faire le fou d’un air fier, lien avec la danse, tout est rythmé et chorégraphié.fait penser à un personnage de comédie musicale. ponctue des phrases ou des gestes avec des claquements de doigts.

marche comme un mannequin en revêtant son costume pour chercher l'assentiment de Lisette.

Il a un peu l’air d’un enfant quand il imite Lisette, il est super content de pouvoir enfin se marier avec celle qu’il aime.

Il arrive à vélo lorsqu'il fait sa 2ème entrée en tant que médecin et fait du comique, il n’a pas l’air sérieux. Il prend ensuite un air très sérieux et utilise la sonnette du vélo en tournant autour de Lisette et Sganarelle pour ponctuer ses propos à Sganarelle, ce qui gâche l’effet sérieux du médecin, il se moque.

Il est déguisé très classe contrairement aux autres médecins avec une chemise qui semble d’époque et un gilet de costume blanc avec par-dessus une veste sombre à queue de pie et un pantalon en toile sombre. A la fin de la pièce pour la chanson finale il porte à la place de la veste à queue de pie une longue veste qui ressemble un peu à une toge de curé ou bien une longue robe ouverte.

Puis il arrive devant Lucinde et il est tout perturbé avant de commencer à l’embrasser puis il arrête avant de reprendre ses paroles de manière très rapide avant de la réembrasser encore interrompant ses paroles par de nouveaux baisers.

Clitandre saute partout comme un cabri, l’acteur s’investit réellement dans son jeu qui est très physique et très projeté. Il crie beaucoup, il agit comme un prestidigitateur.

Il avoue par erreur la vérité: il semble qu’il n’est pas médecin et que tout cela n’est qu’un stratagème, ce qui conforte le père dans l’idée qu’il fait cela dans le bien de sa fille pour la convaincre elle-même de la vérité.

Il prend le dessus sur la scène avec Lucinde et on ressent que ce sont eux qui prévalent.   

Lucinde ( Actrice: Léonie Simaga): synthèse de Padmé avec quelques ajouts de ma part.

-Robe rouge, symbolisant l’amour, la passion, la jeunesse lorsque léonie Simaga joue La Comédie dans le prélude.

-Mise en valeur → entourée par les danseurs

-Chante en premier → protagoniste

- 1ère apparition de Lucinde: Robe blanche, symbolisant la pureté, coiffure bouclée avec des anglaises, plutôt petite fille du XIXème siècle que du XVIIème. maquillage très fort.

-Première scène avec son père, jeu comique avec sa respiration et son silence, jeux de regards, rythme .

-Expression du visage, tout exagéré, enfantin

-Rejetée par son père qui lui envoie des peluches → infantilisant, signe qu'elle a été gâtée, refus du père de la voir grandir.

-Voix d’enfant → Éducation surprotectrice ? jeu avec les timbres de la voix sur certaines répliques moins surjouées et qui prennent un poids plus grand d'être dite naturellement.

-Toutes les émotions sont surjouées, passent du «rire aux larmes» très facilement. feint la maladie, mais sa maladie est surtout racontée à Sganarelle par Lisette.

-Jeu plutôt réaliste avec Clitandre: baisers, expressions pressantes, de désir, gestes pour le toucher et se donner à lui: sensualité mise en relief.

-Jeu très corporel (tirage de langue, etc lorsque Clitandre claque des doigts)

-Jeu burlesque et exagéré lors de la demande au mariage (supercherie), heureuse mais pleure pour faire croire à la supercherie, passe d’une émotion à l’autre

-Simule une crise cardiaque lorsque Sganarelle prétend ne pas signer tout de suite le contrat., hurle, très irréaliste → farce

Analyse du film Les Ailes du désir de Wim Wenders ( pour ceux qui ont vu le film et les curieux!)

 Conférence de Dominique Doucet: une approche philosophique.

Présentation du film par Dominique Doucet

« Il y aurait trente-six façons de résumer Les ailes du désir. Mais elles seraient toutes incomplètes. C’est que derrière la façade de son scénario, écrit en collaboration avec Peter Handke, cette fable inspirée et initiatique est un poème dramatique en noir et blanc et en couleurs. Un chant choral ample et lyrique qui mélange tous les genres et tous les registres, et où viennent se fondre des voix multiples. Bref un film en état de poésie inventé par un homme amoureux et interprété par la femme qu’il aime. »  [1]

Ce jugement de Michel Boujut, décrit bien le caractère irréductible de ce film. La multiplicité des pistes suivies à son propos ne peut en effet qu’étonner. Sans aucune prétention à l’exhaustivité, l’on peut retenir : le mythe, la célébration de l’enfance, le rapport à l’histoire récente de l’Allemagne, la ville de Berlin et le mur, l’histoire du cinéma, l’évolution cinématographique de Wim Wenders, la philosophie politique, Rilke, Walter Benjamin, la phénoménologie, les anges et la prise de corps de Damiel, l’incarnation, la religion, le troisième ange (la caméra), le film l’écriture et la marche, le rock’n’roll ... Face à cette interprétation infinie nous privilégierons quelques passages et quelques passeurs, : l’oeil et la ville, le conteur, et surtout Peter Falk-Colombo qui trop souvent est délaissé dans les diverses analyses.

accès au diaporama qui accompagne la conférence 

Analyse du film sur maze 

 Le poème de Handke qui scande le film

 

Lorsque l’enfant était enfant,
Il marchait les bras ballants,
Il voulait que le ruisseau soit rivière
Et la rivière, fleuve,
Que cette flaque soit la mer.

Lorsque l’enfant était enfant,
Il ne savait pas qu’il était enfant,
Tout pour lui avait une âme
Et toutes les âmes étaient une.

Lorsque l’enfant était enfant,
Il n’avait d’opinion sur rien,
Il n’avait pas d’habitude
Il s’asseyait souvent en tailleur,
Démarrait en courant,
Avait une mèche rebelle,
Et ne faisait pas de mines quand on le photographiait.

Lorsque l’enfant était enfant, ce fut le temps des questions suivantes :
Pourquoi suis-je moi et pourquoi pas toi ?
Pourquoi suis-je ici et pourquoi pas là ?
Quand commence le temps et où finit l’espace ?
La vie sous le soleil n’est pas qu’un rêve ?
Ce que je vois, entend et sens, n’est-ce pas simplement l’apparence d’un monde devant le monde ?
Le mal existe t-il vraiment avec des gens qui sont vraiment les mauvais ?
Comment se fait-il que moi qui suis moi, avant de le devenir je ne l’étais pas, et qu’un jour moi qui suis moi, je ne serais plus ce moi que je suis ?

Lorsque l’enfant était enfant,
lui répugnaient les épinards, les petits pois, le riz au lait
et la purée de chou-fleur.
et maintenant il en mange même sans être obligé.

Lorsque l’enfant était enfant,
Les pommes et le pain suffisaient à le nourrir,
Et il en est toujours ainsi.
Lorsque l’enfant était enfant,
Les baies tombaient dans sa main comme seule tombent des baies,
Les noix fraîches lui irritaient la langue,
Et c’est toujours ainsi.

Sur chaque montagne, il avait le désir d’une montagne encore plus haute,
Et dans chaque ville, le désir d’une ville plus grande encore,
Et il en est toujours ainsi.
Dans l’arbre, il tendait les bras vers les cerises , exalté
Comme aujourd’hui encore,
Etait intimidé par les inconnus et il l’est toujours,
Il attendait la première neige et il l’attend toujours.

Lorsque l’enfant était enfant il a lancé un bâton contre un arbre, comme une lance,
Et elle y vibre toujours

Peter Handke

Participer aux Nuits de la lecture du 20 au 23 janvier( en fait c'est surtout la journée)

 Tout le programme

En particulier le vendredi 21 janvier à 19h et 20 allez voir les lectures déambulatoires au Musée Unterlinden des élèves en cycle professionnel du Conservatoire. Il faut réserver: aller voir dans le programme.

Le samedi 22 janvier à 14 le "marathon Proust" au Pôle Média Culture où vous pouvez venir lire des extraits de la Recherche du temps perdu. On pourrait s'y donner rendez-vous. ou alors la même chose le dimanche à 15h30 au Musée Unterlinden. A 15h le samedi un conteur sur le thème de l'amour, toujours au Pole Média culture. 

ET plein d'autres propositions. Si vous intervenez, dites que vous le faites au nom de l'option et de la spécialité théâtre.

Les Ailes du désir de Wim Wenders ( film dont j'ai parlé à propos des Anges du Soulier) mardi 18 janvier 18h30 pôle média culture)

 Si vous pouvez, ne manquez pas la projection de ce film culte mardi 18 janvier à 18h30 à la médiathèque de Colmar. c'est gratuit! Mais il faut le passe sanitaire. Une présentation bien informée en sera faite avant la projection.

Bande Annonce

" Les héros de mon histoire sont des anges. Oui, des anges. Et pourquoi pas ? On s'est accoutumé à voir tant de monstres et de créatures imaginaires au cinéma. Alors, pourquoi pas des esprits bienfaisants, pour changer ?  Ils observent des milliers d'êtres humains, mais surtout ceux auxquels ils se sont attachés. Non seulement ils peuvent tout voir, mais ils peuvent recueillir jusqu'aux pensées les plus secrètes. Parmi eux, chose inouie, un ange tombe amoureux : il deviendra mortel..."
Wim Wenders

L'acmé du cinéma de Wenders, un film sur la bienveillance 

Préparation à Meeting Point (Heim): représentaton mercredi 19 janvier 20h ( Terminales)

 Ecoutez l'émission que j'ai donnée sur RDL. Elle vous permettra de comprendre les enjeux de la pièce et de ne pas être perdus face à son côté foisonnant et romanesque. Le jeu des acteurs est passionnant , vous verrez.

Avant de voir le spectacle:

Coup de théâtre à la comédie de Colmar

Bande annonce 

Je pense qu'il faudra faire votre analyse de spectacle du 2ème trimestre sur cette pièce car les arrêts de notes sont le 4 février.

Après le spectacle pour vos analyses: Dossier artistique

Site de la compagnie Epik Hotel 

Option secondes spectacles auxquels nous assisterons en 2022

 

Little Nemo, 27.01, 19h, CDC

Pour autrui, 10.03, 19h, CDC (durée 2h15)

Gimme Shelter, 18.03, 20h, salle Europe

Les apôtres au coeur brisé, O1:O4, 20h, CDC (1h45) :

Hamlet à l'impératif, 01.06, 20h CDC.

Rappel: votre abonnement fait que vous pouvez aller voir d'autres spectacles à la CDC au même tarif. Regardez donc bien la plaquette et laissez vous tenter. Il suffit de dire que vous êtes élèves en option théâtre secondes.

2nde Théâtre Forum: séance du mercredi 12 janvier avec Nancy

 Cercle de  parole rapide avant l’arrivée de Nancy: consignes m'envoyer un mail sur la voixduplateau@gmail.com et consulter le blog régulièrement .

Petit échauffement: en cercle, se frotter les mains les poser sur le visage, sur la nuque, désarticulé tout le corps à partir d'un mouvement qui part des doigts et se propage, passation d'un geste et d'un son sans perdre l'intensité initiale : recevoir le geste et le son, le reproduire avant d'envoyer le sien, bine soigner le regard et l'adresse.

Machine musicale les éléments étant les plus intriqués possibles. progrès par rapport à la dernière fois.

Arrivée de Nancy/ en cercle entrer dans le cercle en se présentant: faire un geste et faire sonner son prénom: ouvrir le corps, être grand, soigner  cette présentation, l'offrir à tous. Prendre la pause, oser aller au centre, ne rien précipiter, se mettre en jeu, occuper l'espace aussi vocalement. Merci pour les audaces respectives! C'est mieux que la séance précédente.

Jeu pour effacer toute notion de ridicule et s'engager:

- barrissement d’éléphant avec les mains croisées à hauteur du nez, ceux qui sont à côté de l(éléphant doivent lui dessiné les oreilles avec les bras

-James bond jambes croisées, revolver il dit Oh Ye, ceux qui sont à côté font les james bond girl en disant Oh jams.

- l’aviateur met ses doigts en lunettes sur les yeux et fait le bruit de l'avion avec la bouche, de chaque côté les autres font les ailes. 

Un meneur au centre du cercle désigne l'éléphant, James Bond ou l'aviateur, ceux qui échouent à faire les gestes et les bruits sont éliminés.

Le jeu n'a d'intérêt que si l'on met de la qualité dans les gestes et si l'on est concentré et rapide. Etre tout de suite réactif, précis, prêt à jouer.

En cercle, lecture des textes proposés par le groupe. remontage de bretelles car très peu d'élèves avaient apporté des articles, des témoignages ou écrits quelque chose.Attention le théâtre forum demande un travail collectif et un engagement de tous. Heureusement les textes apportés et l'engagement de celles/ux qui avaient fait le travail étaient remarquables.( Chacun.e note dans le carnet de création ses interventions, celles des autres et son ressenti)

- agression sexuelle dans l'église

Théâtre pour affronter le traumatisme, oser le dire malgré l'omerta, scandale des prêtres abuseurs alors qu'ils sont les représentants de la pureté, du bien , de Dieu. Force du traumatisme et du refoulement. enfermement dans le silence. besoin de se libérer. Choisir de vivre. défendre la vérité et la justice.

Applaudissements à la fin de la performance de Lydia: force des mots, sujets tabous qui font mal, sensibilité à l'agression des mineurs/ énergie et force de conviction, intonations qui portent.

Tout le monde s'exprime sur ce qui l'a le plus touché.

( En théâtre forum: débats échanger des points de vue différents , pour argumenter mais pas seulement, s'entrainer à endosser des points de vue différents du sien pour pouvoir improviser et peut-être aussi mieux comprendre la complexité des questions et problèmes afin d'apporter des solutions raisonnées.)

Rôle de la famille dans la gstion des abus: parfois famille refusent que l'enfant s'éloigne de ceux qui lui font du mal.

- violence conjugale: premier texte apporté par Fiorelle avec des chiffres alarmants, Sonya apporte un témoignage qu'elle a écrit après lectures de témoignages en ligne. Énergie de Fiorelle pour convaincre. jeu intense de Sonya pour interpréter le témoignage. Témoignage de Simon et Mathilda qui ont assisté à des audiences  et procès. Nécessité de changer les mentalités. problème d'éducation des garçons et des filles. Violences qui peuvent aussi s'exercer à l'égard d'un homme.

Idée de peine de mort pour les hommes qui violentent et tuent leur femme: débat pour ou contre la peine de mort très animé/ se lever dire son prénom avant de parler. beaucoup d'engagement et de passion. Question qui renvoie à la conception que l'on a de l'humain: demeurons-nous humain quand nous acceptons et défendons la peine de mort?

Dernière partie de la séance en quatre groupes de cinq: choisir une situation problématique et la mettre en scène.

passage devant le reste du groupe. Comme il y a peu de temps de préparation, c'est comme une esquisse. Dans votre carnet il faut dire ce que vous aviez préparé, fait au plateau votre ressenti en tant qu'acteur et comme spectateur en regardant les autres. Un groupe doit encore passer la séance prochaine.

thème de la phobie scolaire qui n'était pas encore apparu: doit donner lieu à des recherches pour la prochaine fois. Ceux qui n'avaient pas apporté de matériel doivent le faire.Vous pouvez vous amuser à écrire des saynètes sur des situations problématiques évoquées par exemple l'anxiété écologique.

Séance très mobilisatrice à condition que tout le monde s'engage comme dans le débat pour ou contre la peine de mort.

Beaucoup de personnalités ont émergé comme potentiels meneur/euses et des qualités de jeu sont perceptibles y compris chez des personnes discrètes du groupe.

la musique de Lully dans L'Amour médecin

 Quittons nos vaines querelles

Chaconne de L'amour médecin en danse baroque 

Projet Molière ( Terminales) séance du 10 janvier

 Cercle de paroles: raisons pour lesquelles je fais grève jeudi 13 janvier: peser sur le déplacement de l'examen de spécialité de mi-mars à juin compte tenu de la situation sanitaire, sentiment de mépris de la part du ministère qui nous informe par voie de presse à la dernière minute, protocoles sanitaires ingérables, soutien aux directeurs et professeurs des écoles, mise en danger des personnels de l'EN.

Consignes pour ne pas perdre les heures de théorie: regarder chez soi la captation du Tartuffe de Braunschweig qui est en ligne et prendre des notes comme pour une analyse de spectacle.

Lire les documents que je mettrai en ligne ( classe inversée) toujours en prévoyant de m'interroger sur ce que vous ne comprenez pas.

Rencontre avec Sandrine Pires, notre nouveau partenaire artistique. elle est comédienne, metteuse en scène et directrice de la compagnie du Gourbi Bleu. sa dernière création est le Triptyque et dans ma bulle. Voir le site de la Compagnie du Gourbi bleu: 

Certains d'entre vous ont vu le Triptyque en seconde , d'autres l'ont revu samedi dernier. Il est composé de trois pièces écrites par Marion Muller-Collard: Hanna, Bouche Cousue et La Vierge et moi. Sandrine invite à une véritable traversée des âges qui mène de l'enfance à l'âge mûr en passant par l'adolescence.

Sandrine évoque son désir de faire des séances du lundi des moments de joie et de jeu autour du programme Molière et malgré les conditions sanitaires difficiles. Elle a lu un texte de l'acteur, metteur en scène et pédagogue Louis Jouvet qui évoque le travail de l'acteur par rapport aux personnages légendaires du répertoire dont font partie les personnages de molière. Il s'agit de trouver un équilibre entre le moi de l'acteur et le rôle mythique à incarner.

Tour de table sur ce que chacun perçoit du programme après la séance de lecture et travail à la table du 3 janvier. Chacun écrit dans son carnet de création son ressenti et ce qu'il a retenu de celui des autres.

C'est Laura qui est chargée du compte rendu spécifique de cette séance, ce sera quelqu'un d'autre à chauqe séance  plus moi.

I.Passage au plateau pour échauffement et exercices: séances de prise de contact et de découverte du groupe et des individus par Sandrine.

Se débarrasser du corps social pour entrer dans un corps de théâtre en utilisant le mimétisme: imiter Sandrine, reproduire ce qu'elle fait en y mettant la même énergie et la même qualité.

- cercles de bras en faisant un bruit de baillement. Ancrer au sol on soulève le sbras, on tourne le sbras puis on fait mine d'écraser quelque chose au sol.

-Buste très mobile, bruits maritimes. bouger en fonction des sonorités, du rythme que l'on produit, créer des ruptures, des pauses.Reprendre.

-Pieds au sol explorer les appuis et les torsions possibles en mettant le smains au sol: trouver des chemins qui sont possible spour votre corps.

-genoux pliés tête tombante dos bien rond: respirer dans le dos pour percevoir l'élargissement de la cage thoracique , remonter vertèbre par vertèbre, éprouver la détente du mouvement.

- devenir les marionnettistes de sa propre marionnette: fils aux articulations qui tire vers le haut, même le syeux ont des fils, fil à chaque doigt, a contrario pousser le sol avec le spieds, se grandir puis on coupe le sfils progressivement. permet de travailler la dissociation. Refaire les exercices avec une plus grande qualité gestuelle encore.

- Chanter sous la douche en se frottant énergiquement, aller dans les aigus et les graves, être en rechercher et expérimenter sans peur. se secouer, trembler dans le son.

(se retourner vers l'extérieur du cercle pour abaisser le masque quelques secondes avant de reprendre.)

-Frottements des mains, imiter Sandrine qui fait des expressions brusques de changements d'états: e^tre le plsu expressif possible, travailler les yeux au-dessus du masque: étonnement, colère, joie, peur, exaspération, menace, tremblements, contentement, dépit.

- Frottements des mais puis geste que l'on transmet à son voisin dans le cercle comme un message à faire passer: importance de recevoir toute l'énergie de l'autre et de la transmettre telle qu'elle est , pas en-dessous. Toujours plsu de qualité, cela doit impliquer tout le corps. transmettre un "mot" en rapport avec le projet Molière ou autre. Puis ajouter une intention, donc améliorer la qualité du jeu, la couleur dramatique, toujours agrandir lors du 2me tour.

Toute une grammaire, un vocabulaire du jeu à apprendre ensemble, entrer dans le code de jeu que propose Sandrine. ( dans vos carnets relater vos proposition ex Julia= jamais, pauline = Whoah, Romane: chapeau etc

- traversées du cercle: en appelant un prénom de personnage de Molière: aller au bout du travail. On n'appelle pas Lisette comme on appelle Tartuffe. mettre du jeu. Préparer le personnage un peu à l'avance;

Traversées en diagonale depuis lointain jardin: recherche du corps comique. chacun passe et le reste du groupe imite le premier, développer à sa manière tout en étant fidèle à la proposition faite, mettre du son quand ça vient. mettre ses yeux en accord avec le reste du corps.

Mettre du jeu/je dans le mouvement

Lorsqu'on revient à la position initiale, faites circuler le regard sans parler pour prendre l'énergie du groupe.

- Groupe divisé en deux: impro des danseurs professionnel sur la musique de Lully( comédie ballet): temps de préparation. Il faut des moments d'unisson du ballet, de choeur donc, des solo et des duo. Prévoir un "guide" , un coryphée.Faire comme si vous étiez des pros. penser à se nourrir de ce qui a été fait par le premier groupe pour le deuxième. 

Toujours le même étonnement que la même proposition d'impro  donne lieu à une production aussi différente. 

Remarques sur ce qui a été montrer: pour 1: travailler plus les moments de pause, mais qualité du mouvement, investissement. Comique proposé par basile dans décalages légers.

Pour 2: bien baroque avec le cercle, les croisements, la variété, les passages de changement de "guide", de meneur.

Pour les deux être encore plus tendu vers l'autre, sentir la réverbération du groupe., jouer encore plus les uns avec les autres.

II Improvisation individuelle: vous vous présenter à une audition pour le projet Molière, vous êtes des pros.

- présentation de votre parcours: études, influences, gens de théâtre qui vous inspirent. 

-raisons pour lesquels vous postuler pour un rôle dans un projet Molière

-Extrait de la "matière" Molière ( lecture texte en main )

- partie chantée et dansée éventuellement sur une musique que vous proposez.

Le but n'est pas d'avoir la meilleure idée, ni même la plus drôle, mais d'entrer dans le jeu et de montrer sa capacité à tenir un parti pris, à s'engager dans le jeu.

Importance aussi de se nourrir en regardant les autres, même quand on est spectateur on est en travail, savoir apprendre des autres. En revanche ne pas se juger soi-même, ni les autres. 

le trac est normal, prendre le risque de s'exposer = base du théâtre. Accepter le regard des autres sur soi. Source de très belles découvertes;.

Quand on regarde, on est avec... ( dans votre carnet noter vos propositions, votre ressenti sur votre passage et celui qu'a suscité le passages des autres.)

Terminales: Notes sur la séance du 10 janvier par Laura

 

Lundi 10 janvier 2022

Information sur le cours de jeudi qui n’aura pas lieu→ regarder captation Tartuffe et envoyer notes

Arrivé de Sandrine Pirès notre intervenante pour le projet Molière :
- une ancienne élève du lycée Camille See
- idée du « corps parlant » emprunte à Olivier Py et du « corps comique » pour aller vers Molière et la comédie
- elle va faire une mise en scène de L’Amour Médecin de Molière, un texte qu’elle a appris à connaître grâce au projet Molière de l’année dernière et sera normalement présenté fin septembre (pièce qui a selon Molière été écrite, travaillé, mis en scène en 5 jours → volonté de Sandrine de garder cette rapidité tout en le travaillant plus avec les ballets etc. …)
- il n’y a pas une façon de faire du théâtre .
- lecture de Sandrine de Le comédien désincarné de Louis Jouvet, « L’Être du personnage » :
* idée du moi et du non moi
* transcendance du  moi dans le non- moi
* aller vers / laisser faire → équilibre entre soi et le rôle
- il faut se laisser émerveiller, chercher le chemin, réinventer, réincarner un personnage
- doit faire entendre les mots
- la renommée de Molière se joue dans sa grande capacité de publicitaire.
- mais maintenant on « déboulonne » la légende Molière, on ne doit plus se laisser impressionner par elle.
- Tartuffe interroge autre chose que simplement la religion : Orgon, qui était le pantin de Tartuffe, devient misanthrope et rejette les hommes.

Echauffement
- « mimer » Sandrine
- travail du corps en entier, articulation, marionnette des bras – épaules – poignets – doigts vers le ciel
- aller vers quelqu’un dans le cercle et chercher un personnage de Molière, donner une intention selon qui on cherche (Dorine est une servante alors on ne va pas l’appeler comme si on appelait Arnolphe)
- traversé d’un personnage comique en diagonale et imiter par les autres, chacun notre tour un fait un autre type de personnage → travail du corps comique pour Molière
- par groupe, danse avec un meneur → ballet
* 1^er groupe : une super avancé en ligne, solo mémorable de Romane
* 2^ème groupe : en cercle intéressant avec roulement du meneur, des solos et duos

Exercice individuel : 20 minutes de préparation : se présenter à une audition pour le projet Molière
- se présenter (peut inventer totalement un personnage), dire son parcours, ses rencontres, …
- pourquoi intéressé à Molière
- en lecture, une réplique de notre personnage plus ou moins longue
- chant
- danse
↔ Natascha JIWAN - cours Florent avec danse, chant, voix, corps et combat – expérimenté le théâtre de rue – personnage d’Amanda dans Bouche Cousue dans Triptyque – vient pour Dorine dans Le Tartuffe – chant – refait le chant en mode rock – danse de Just Dance, I’m still Standing et demande à tous de venir faire avec moi (très drôle à faire)

IMPORTANT D’ECOUTER LES AUTRES PENDANT LEURS PASSAGES
- manque dans l’entretien le côté sérieux d’une audition, globalement tous sur l’humour et manque de l’accroche de Molière
- très drôle à regarder pour tout le monde
- quand décide d’adopter un personnage → assumer jusqu’à la fin
- vue des choses qu’on ne pensait pas voir pour certains → forme de lâché prise et de concentration
- parti pris de le rendre drôle
- nos personnages étaient assumés

Pas de ridicule dans le théâtre. Si quelque chose est ridicule c’est qu’il n’était pas assumé par le comédien.